Crítica de la obra "La noche estrellada" de Vicent Van Gogh

Crítica de la obra "La noche estrellada" de Vicent Van Gogh, dearrollada por Thalía Barriga Flores.

Esta obra muestra la vista hacia el exterior durante una noche desde la ventana del cuarto del Sanatorio de Saint- Remy, de Provence, donde se recluyo hasta en final de su vida.

Esta obra será analizada de acuerdo a dos de los pensamientos más interesantes de Immanuel Kant.

Kant nos habla de 4 momentos del juicio en donde el juicio estético es estudiado mediante estos caracteres para analizar una obra.  Esos momentos son de cualidad, cantidad, relación y moralidad.

Cualidad. De acuerdo a lo que Kant decía sobre este punto es que las obras se ven desde un punto de vista desinteresado y no hay significado, la obra en sí no tiene un uso ni un fin esto quiere decir que al autor (Van Gogh) no le interesa que el público observe o encuentre el significado de la obra si no que le guste a los demás, que las persona tomen cierto placer al contemplarla. En lo personal la obra me gusta por los colores y las formas que adquiere, es muy bella porque sin tomar un significado siento que me dice una historia.

Cantidad. La obra contiene ciertas características como:

1 Representa a la imagen (lo que Kant decía) esta obra a como yo la entiendo es que no contiene un significado y en este punto como Kant dice que las obras no deben tomarse como concepto, ósea que esta obra posee características naturalistas que a la personas les gusta y atrae (a pesar de que puede ser algo abstracto y complejo a la vez y esto puede significarse algo, pero este no es punto que queremos encontrar).

En la obra se pueden experimentar emociones como dice Kant y en lo personal yo viví esa experiencia al contemplarla.

Relación. En este punto cabe destacar que es una grado de complejidad porque cada persona piensa diferente, en esta etapa se busca encontrar la finalidad de la obra, y aquí se dice que el arte es la belleza, cada uno de nosotros podemos experimentar ciertas sensaciones al momento de observar la obra y entramos a un momento donde la relación es con la metafísica (aquel proceso que no se puede comprobar ni explicar) estas ciertas sensaciones las vamos a generar en la mente.

En este proceso experimente y di como conclusión que la finalidad de la obra es que las personas se conecten con el contexto y que existan juicios para entenderla, un ejemplo es que yo valore el tema que se trata de la contemplación de una noche donde una cierto personaje se refugió en ese lugar hasta morir; entonces en relación con la metafísica me di cuenta que ese puedo haber sido un significado pero que en si la obra puede tener más de uno y va más allá del simple contexto en cuestión de estudiar al autor como artista.

La moralidad. En este punto se va a reconocer que es bella la obra de acuerdo al pensamiento de Kant porque de lo necesario que debe tener una obra de arte es que pueda ser juzgada ya sea para bien o para mal, como no se siguen reglas específicas el autor está demostrando que la obra tiene un fin ilimitado donde los demás puedan percibir una satisfacción.  Aquí no se toma no se toma el concepto  si no que se entiende la obra con un propósito y en lo personal el propósito que yo entendí es que la obra se tome como al bello y se experimenten emociones como nostalgia y amor de lo que se puede vivir en una noche.

Conclusión personal: Estoy de acuerdo con Kant para analizar esta obra mediante estos cuatro momentos del juicio ya que en realidad o hecho estos 4 procesos fundamentan nuestro pensamiento y nos hacen entender que las obras en general poseen ciertas características que son difíciles o complejas de entendimiento. Experimente ciertas sensaciones al momento de observar con detalle la obra y fue placentero no buscar un gusto interesado por lo que fue desinteresado (momento de cualidad), no seguí normas o reglas para llegar al fin (momento de la moralidad), no encontré conceptos ni significados (momento de cantidad) encontré solo el propósito (como lo marca en la moralidad) y encontré que la obra es bella, me conecte con lo metafísico porque trate de analizar la obra como algo más allá que una simple imagen sobre un lienzo.

Considero que Van Gogh como artista fue una persona desinteresada hacia el significado de sus obras y que su grandiosa  idea de plasmar una historia sobre un lienzo como lo es en esta obra de La Noche Estrellada es que es tan complejo y tan hermoso a la vez que hace que sus obra diga algo más de lo que es.

“Un artista puede decir más de un millón de palabras con una simple línea”

Crítica de la canción "ARTPOP" de Lady Gaga

Esta una crítica de la canción "ARTPOP" de  Lady Gaga, desarrollada por Sergio Pulido Pulido.

Hace pocos meses Lady Gaga estrena su tercer single de ARTPOP (Su nuevo álbum) llamado G.U.Y. del cual ella misma ha sido directora. Si usted ya ha observado el film podrá comprender un poco más sobre esta crítica.

Sergio se basa en pensamiento filosófico de Immanuel Kant y sus dos formas de clasificar el gusto: determinante y reflexivo.

GUSTO REFLEXIVO:

Viendo este mini film desde el gusto propio, podemos ver una mujer que cae o básicamente se le ve derrotada rodeada de hombres que sólo quieren su dinero, ella se levanta y camina hacia donde puede ser su salvación. Al llegar al lugar es salvada y posteriormente recreada en una mujer poderosa, se le puede ver también tratando de dominar al mundo y clonando hombres lo que significa que puede llegar a influir en muchas personas. Su talento es la que la hace salir de la derrota y brillar de nuevo. Un film lleno de colores y escenas impactantes, llenas de arte y música.

Pero,  ¿será que realmente es un film que podamos clasificar con bueno?

Para poder decir que un film es realmente bueno tenemos que analizar varias cosas:

Juzgar la obra dentro de su género: Musical & Artístico:

Analizar la música: Música POP

Innovación cinematográfica: Nos muestra su reencarnación en una mujer fuerte y poderosa.

Analizar la dirección de arte: Lady gaga, la protagonista del film, nos muestra durante el transcurso numerosos vestuarios de acuerdo a la historia representada, no solo cambios en ella, si no, en los cientos de bailarines y actores.

Analizar la fotografía: La iluminación, los colores, los escenarios, etc. Todo está bien planeado de acuerdo al film.

Después de saber qué aspectos debemos considerar para poder clasificar un film, podemos pasar al gusto determinante, donde comenzaremos ahora, analizando y clasificando el film ya de acuerdo a las reglas que rigen a un corto, film, video, etc.

GUSTO DETERMINANTE:

Juzgar la obra dentro de su género: Musical & Artístico: Según las empresas mundiales más importantes de la música, la canción G.U.Y. es la segunda canción más escuchada de su álbum y la quinta más escuchada después de su lanzamiento, subiendo así las ventas de su disco ARTPOP. Al revelarnos el mini film tuvo en su primer día 5 millones de reproducciones  en YouTube, la cual la posicionó como un video agradable y con mucha audiencia. 

Analizar la música: La canción se clasifica del género POP, con muchos efectos sonoros durante ella, cambios de ritmo y tonos.

Innovación cinematográfica: Además de ser innovador, Lady Gaga busca que sus seguidores descubran el significado del film:

·       El video G.U.Y. es una crítica a la industria del pop.

·       Demuestra que no es otra mujer que está por debajo de la industria del pop, se siente por encima.

·       Lady Gaga quiere crear una nueva sociedad que se le sienta libre de expresar su talento.

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Durante estos 7 minutos del rodaje muestra como la industria del pop destruye el talento de cualquiera donde Lady Gaga se siente presionada, manipulada y traicionada. Lady Gaga era como un ave fénix ascendiendo a la industria del pop, después de ser una gigante cultural con varios números 1 en las listas de éxitos cae  y parecía que comenzaba a desaparecer.

Ha caído del cielo en forma de ángel simbolizando ese desplome de su éxito. Pero ella es fuerte mientras los hombres que aparecen sólo piensan en su dinero y le dan la espalda, ella se levanta una vez más para luchar por lo que cree. Al final termina por destruir a los que la hicieron caer.

El video G.U.Y. es una celebración del arte y la expresión del talento de cada uno, haciendo frente a las adversidades y a aquellos que te quieren ver fracasar.

Analizar la dirección de arte: El principal protagonista es ella misma rodeada de un mundo del que logra renacer.

Analizar la fotografía: Los colores son muy cambiantes a la vez, pero llevan secuencia entre sí, formando así un fil agradable.

Después de conocer como está estructurado el film, el contexto, la música, el significado, y analizar cada aspecto del video, podremos decir que G.U.Y., ¿es verdaderamente bueno?

G.U.Y. es sin duda una crítica a la industria musical, Gaga trata de representar el trato que recibe el artista y esa sumisión a la que es sometida en muchas ocasiones. Se trata de un trabajo muy duro e impactante en muchas partes, teniendo en cuenta que es un video totalmente autobiográfico, y claro, no podemos negar que a medida que avanza, podemos ver como Lady Gaga directora del film ha tratado con fuerza, energía y dedicación esta canción, porque…’’Cada artista tiene un hábito que anuncia el talento’’.

Crítica de la obra musical "Huapango" de José Pablo Moncayo

Esta una crítica de la obra "Huapango" de  José Pablo Moncayo, desarrollada por Alejandra Vidales Díaz.

Es una obra sinfónica del compositor mexicano José Pablo Moncayo, fue compuesta a partir de la reinterpretación de los ritmos tradicionales del Huapango, principalmente veracruzanos, y de piezas de dicha región como  El siqui sirí y El Balajú.

“Por todos los análisis que se han hecho sobre la música como un fenómeno cultural, una constante ha sido que la música significa algo más allá que los sonidos, son sonidos organizados por el alma del hombre”

Esta pieza musical es considerada como una pieza de excelencia por sus relaciones armónicas y melódicas. Cumple con los parámetros que hombre ha creado para considerar “buena” una pieza musical, esto no quiere decir que por no seguirlas sea mala la melodía, en este tipo de arte no puede sujetarse a ciertas reglas puesto que le quitaría la espontaneidad a la obra y le restaría libertad de expresión al artista, en este caso la obra cumple con lo establecido que es el estilo que es lo que le da gracia y belleza a la melodía, tiene forma sonata que es cuando el compositor divulga sus ideas musicales que se divide en tres secciones donde el compositor en el primero entra con un movimiento lento, en la segunda etapa entra en tensión y en la última recapitula lo primero, contiene sinfonía que es una sonata para la orquesta, y tiene concertó donde se utiliza un instrumento solista acompañado de los demás. Luego se evalúan otros aspectos más sensuales como son la expresión del gesto relacionada con la fluidez del movimiento del instrumento como por ejemplo la suavidad del movimiento del violín, también se debe evaluar la parte afectiva que es la conexión entre el ejecutante y el escucha, y es donde entra todo lo que Hegel menciona, todo arte tiene un fin  en sí misma  y es creada para los sentidos del hombre , donde entra el razonamiento y los sentimientos del artista para dar a luz lo que se le conoce como arte.

 En la partitura de esta obra aparece un ritmo común en las tradiciones folklóricas mexicanas basado en la hemiola (un tipo de 3 golpes contra 2, ejecutados simultáneamente). Este ritmo está escrito de la misma manera  cada vez que ocurre en la partitura, desde mi propia experiencia de escuchar tocarla a otros ensambles indica que no se ejecuta igual cada vez que aparece, cuando he preguntado por la diferencia entre lo escrito y lo ejecutado me han dicho que “siempre se toca así” o “así suena mejor” esto me da a entender que al momento de reproducir una obra por más que lo quieras hacer igual no puedes por que estas poniendo de tu esencia en la obra y reproduciendo tus sentimientos y pasiones.

También para lograr la perfecta ejecución de la obra, más que conocer a la perfección cada partitura es necesario tener talento, se conoce que el talento es la actividad intelectual humana de desarrollar con mucha habilidad una actividad; entonces, el talento es el que le da el plus, es el esqueleto de pieza, ya que sin el simplemente no transmitirías nada, la sensación  unirte con el instrumento y formar uno solo, al final resultara más satisfactorio el resultado de la obra, así como al oyente las sensaciones recibidas. El hecho de solo saber a la perfección la pieza y no tener el don o el talento le resta a la obra toda su esencia y no podrás transmitir nada solamente sonidos sin alma.

Crítica del ballet "El Lago de los cisnes" de Tchaikovski

Esta una crítica de la obra "El Lago de los cisnes" de  Tchaikovski, desarrollada por Cristina Rueda Tejeda.

El Lago de los cisnes, sin duda uno de los ballets más hermosos, su romántico argumento y la maravillosa música de Tchaikovsky lo convierte en una obra maestra. En 1875 El director de teatro imperial de Moscú, Vladimir Begichev invito a Tchaikovski a componer música para el ballet por la suma de 800 rublos. Inspirada en una leyenda Teutónica titulada “Der Schwanensee” El Lago de los Cisnes se estrenó un año más tarde, el 4 de marzo de 1876, en el famoso Teatro Bolshoi de Moscú. A pesar que ha pasado un siglo y medio de su estreno sigue siendo parte de la cultura del ballet y más que nada uno de los clásicos.

La presentación del lago de los cisnes en el teatro Alla Scala, teniendo como protagonista a Suetlana Zakharova y Roberto Bolle como Siegfired un bailarín de acabado cristalino con sorprendentes saltos y vueltas de impecable precisión  Zakharova conecta con Bolle  de una manera espectacular en lo que es la técnica especialmente en la escena de “Pas de Deux” en el que ambos lo realizan con un estilo fabuloso. Sin que Bolle llegue al nivel de tragedia que Zakharova logra transmitir mediante su baile, bien lo podemos apreciar con tan solo ver las expresiones faciales de la bailarina o viendo la manera en la que mueve sus brazos el dorso todo el lenguaje corporal te transmite un sentimiento de tragedia poniendo la piel de gallina .

El director James Tuggle logra armar la coreografía de manera ingeniosa y no siempre muy sutil, pero aun así hermoso. En la escena en el que bailan todos los cisnes juntos logramos ver una extremada limpieza en la realización de los pasos y en la coordinación de las bailarinas o por así decirlo de los pequeños cisnes todas cuidando su alineación, ninguna pone un pie mal y mueven sus brazos delicadamente  para hacer su conjunto de “port de bras”(serie de movimiento de brazos)

Concentrándonos más en el tercer acto en el que podemos ver la escena de Siegfried, Rothbart (personificado por Ganni Ghisleni ) y Odette  la piel se llega a erizar viendo la composición coreográfica con un sorprendente y perfectamente logrado “grand jeté”

Realizado por el bailarín Ghisleni junto con su sorprendente vestuario de imponentes alas y aunada a la música orquestada por el maestro Gajkousky el resultado es totalmente celestial desde mi perspectiva llevándome a un éxtasis sensorial  gracias al deleite visual del performance  la bella sinfonía los vestuarios y la escenografía, poniendo mi piel de gallina no queriendo despejar ni un ojo de los bailarines y llevándome a mundos realmente fantásticos en el que los cuentos de hadas y las princesas que se transforman en cisnes y son salvadas por sus príncipes son reales.

Crítica de la canción "Mi amor" de Jin Akanishi

Esta una crítica de la canción "Mi amor" de  Jin Akanishi, desarrollada por Alejandra Aguilar Aguilar.

No prestaba atención a la música, cuando de repente, el sonido del ritmo y la melodía despertó mi sentido auditivo, seguido de la voz de este cantante que provocó un sentimiento de armonía y a la vez de tristeza, haciéndome viajar a otro mundo, algo que también llamó mi atención, fue el uso de tres idiomas en la letra, haciéndolo más interesante para mí. En cuanto en el audiovisual de la canción lo que me atrapo fue el uso de una guitarra con luces led, las escenas oscuras, claras y que en algunas de ellas sale el rostro del cantante pintado. Tal y como Kant decía en el primer momento del Juicio Estético, La Cualidad, es un placer desinteresado, no tiene uso.

Mientras que en el segundo momento de la Cantidad, no busca conceptos y lo que llegó primero a mi mente fue que trata de un amor desenfrenado y apasionado, con altas y bajas, que en el video se representa con dos parejas, e imagine que en cada una de ellas hay un opuesto, las cuales con un baile interpretan ese amor y cada movimiento me hizo sentir que podía entender lo que les sucedía, que tienen conflictos y se separan, pero tratan de acercarse una a la otra. Al relacionar esto con la música, voz y letra mi piel se erizó, un cofre de sentimientos se abrió y logré sentir la canción.

En el tercer momento, el de Relación, es encontrar la belleza, la finalidad. En esta interpretación, la encuentro por medio de la satisfacción hacia mis sentimientos de amor, necesidad, pasión, llena ese espacio que había entre ellos y por lo tanto para mí esto hace que esta obra sea bella.

Y el último momento el de Moralidad, donde su propósito se supera. Por lo tanto “Mi amor” es una canción con una letra simple que relaciona tres idiomas: japonés, inglés y español,  pero que no deja atrás la secuencia entre letra y pista que es captada fácilmente y donde se expresa los sentimientos; lo cual supera los límites de Japón y sea escuchada por otros países.

El artista fusiona tres elementos: música, letra y video, superando mis expectativas al inicio de la reproducción.

Crítica de la obra "La vocación de San Mateo" de Michelangelo Merisi Da Caravaggio

Esta una crítica de la obra "La vocación de San Mateo" de  Michelangelo Merisi Da Caravaggio, desarrollada por Metzli Pantoja López.

La vocación de San mateo es una obra realizada por el italiano Caravaggio alrededor de 1599-1600.

Esta pintura representa el texto bíblico de Mateo 9:9, donde Jesús llama a Mateo (un cobrador de impuestos) al apostolado.

Está pintada en óleo sobre lienzo y es de la época barroca.

Ahora analizaremos esta obra desde el pensamiento filosófico de Georg Hegel, él hace una gran distinción entre la belleza natural y la belleza artística, siendo para Hegel lo bello artístico más elevado que lo bello natural, ya que la belleza artística está más cerca de lo espiritual que lo bello natural, gracias a que el espíritu es capaz de reflexionar acerca de si mismo.

Podemos saber claramente que esta obra no fue creada por la naturaleza, sino, que tuvo que intervenir un humano (en este caso Caravaggio) para primeramente tener la idea de crearla y posteriormente plasmarla en el óleo.

En esta pintura vemos reflejados los sentimientos humanos, la manera en que el pintor representa los gestos y expresiones de los protagonistas de la obra es impresionante.

 Podemos observar: que el cobrador de impuestos se encuentra distraído y no se da cuenta de que Jesús lo está llamando, la seguridad del rostro de Jesús, la sorpresa de los demás protagonistas y el hombre a la izquierda de Mateo que sigue inmerso en lo material y  que esto  no le permite darse cuenta de quien está frente a él, todos estos elementos son los que hacen de este trabajo una gran obra y consigue la belleza artística, ya que no solo es cuestión de técnica, pues esta es fácil de aprender, todos podemos copiar simplemente formas y ya, pero para Hegel es necesario poder plasmar la idea correctamente y ser capaz de transmitir lo deseado al sujeto artístico y es esta la finalidad del arte, poder hacer que la idea se haga visible, el arte es la manifestación sensible que da forma externa al espíritu y de esta manera logra plasmarse con belleza sobre la materia.

Hegel decía que el arte no se puede enseñar ya que se requiere del don, la espontaneidad  y la técnica para crear obras verdaderas y bellas.

En este caso analizando el trabajo de Caravaggio sabemos que no es posible que él nos enseñe a hacer arte, posiblemente podría decirnos las técnicas que usaba y el modo como pintaba pero nunca podríamos hacer una obra idéntica a la de él o que exprese lo que Michelangelo logra plasmar en sus obras, ya que eso es un don que no se puede enseñar y aprender, y también porque cada quien tiene un estilo propio que se ve reflejado al crear una obra de arte.

Crítica de la obra "Girl before a Mirror" de Pablo Picasso

Esta es una crítica de la obra "Girl before a Mirror" de  Pablo Picasso, desarrollada por Michelle Torán Uribe.

En esta obra de Arte contiene una serie de juicios, en la cual llevare una crítica basada en la teoría de Immanuel Kant/ El Arte Bello; el juicio cuenta con cuatro momentos: cantidad, cualidad, relación y por último moralidad.

La cualidad, que es lo agradable de esta obra, son los colores y la composición, a simpe vista sin analizarla por completo, no se busca una gran obra de Arte, al verla me hace sentir un poco de nostalgia y admiración, me hace recordar mucho, como las mujeres nos observamos frente a un espejo, observando cada parte de los defectos de nuestros cuerpos y no estar conformes con lo que tenemos.

La cantidad, en esta obra no es necesario buscar un concepto del por qué fue realizada esta obra, es dejar volar tu imaginación de lo que tu vez en ella. Se me viene una infinidad de ideas de la interpretación, como ya sabemos es una mujer observándose frente al espejo, interpreto que esta mujer tiene un lado más oscuro en su vida, como una doble vida ya que en la pintura está la mujer con el rostro dividido un lado más oscuro y maquillada, se nota en ese lado de su rostro que no es completamente feliz, que le atormenta tener que llevar ese lado de su vida, al contrario de la otra división de su rostro se ve viva, contenta, con miles de sueños que cumplir, con una esperanza de poder cambiar lo que en su otro lado oscuro es.

Relación, esta obra de Picasso es bella aunque no la podamos tocar, sentir, pero tiene la finalidad de belleza, esta obra, en lo personal, me expresa un gran sentimiento, me lleva a una apreciación estética, ya pensando en la utilidad que me hace esta obra al contemplarla.

Moralidad, la belleza la encontré por la gran satisfacción, ya que tiene una gran composición de los elementos, como el artista empleo las texturas en cada elemento, en el rostro, en el cuerpo de la mujer y las tonalidades que el artista logró colocar en esta gran pintura, en estos elementos yo formulo la belleza sin conceptos y rebasa el modo contemplativo porque mi imaginación me llevó a una historia completamente distinta. Como ya he dicho, la mujer, el tener una doble vida, hace imaginarme una nueva historia, que esta mujer al contemplarse en el espejo se olvida de todo a su alrededor solo es ella conociendo cada parte de su cuerpo amando cada centímetro de su piel y al observarse que aunque tiene doble vida sabe que es completamente bella y así aprende amarse ella misma para poder hacer que las demás personas la amen igual.